THE SHOFAR PLACE

per trombone e supporto digitale a 8 canali

Musica, Nicola Sani 

Commissione e Produzione INA GRM - Parigi 

Il ritrovamento archeologico di una pietra dal muro del Tempio di Gerusalemme con un'iscrizione riferita al luogo del soffio dello Shofar ha ispirato al poeta Paul Celan una delle sue ultime poesie, Die Posaunenstelle, scritta in occasione della sua visita a Gerusalemme nel 1969. La poesia venne inserita nell’ultima delle raccolte di Paul Celan, Zeitgehöft (Enclos du temps), pubblicata per la prima volta postuma dalla casa editrice tedesca Suhrkamp nel 1976. "Le poesie concepite dopo il viaggio in Israele - scrive in proposito Massimo Pizzingrilli - possono considerarsi a pieno titolo il risultato dell’ultima svolta poetico-esistenziale celaniana"[1]. "Celan - prosegue Pizzingrilli - soggiornò a Israele dal 30 settembre al 17 ottobre 1969, in compagnia, tra gli altri, della sua ritrovata amica, dai tempi della giovinezza a Czernowitz, Ilana Shmueli. Queste poesie contengono una serie di rimandi topografici e storici della città di Gerusalemme, raccolti da Ilana Shmueli per Celan sottoforma di appunti". Nel testo originale tedesco Celan si riferisce allo Shofar, antico strumento ebraico costituito da un corno di montone, usando la parola Posaune, nella traduzione tedesca introdotta da Martin Lutero, ma che normalmente nella terminologia attuale indica il Trombone. Prendendo spunto da questa sintesi che accomuna i due strumenti, il Trombone e lo Shofar, questa composizione intende porsi come una ricerca alle radici arcaiche del suono.

Per poter comprendere profondamente il valore e il significato del suono e della musica, intesi come espressioni dell'anima e della psiche umana, dobbiamo innanzitutto considerare le caratteristiche principali delle diverse tradizioni musicali del passato, alcune delle quali sopravvivono tuttora nella ritualità di popolazioni diverse, sia europee che extraeuropee: dobbiamo infatti conoscere, recuperare e vivere pienamente tutte quelle forme d'arte dimenticate, tutti quei canti, quei rituali e quelle danze che si sono persi nel tempo e nello spazio, la cui memoria sopravvive tuttavia nelle profondità inconsce della psiche collettiva, dalle quali riemerge ciclicamente, influenzando a vari livelli le scelte, le motivazioni, i gusti e le tendenze dell'umanità attraverso i secoli. Vi sono infatti, dietro le loro apparenti diversità, numerosi aspetti in comune nella ritualità e nella musicalità di tradizioni culturalmente e storicamente diverse, aspetti spesso stupefacenti per la loro profondità e identità, che ci testimoniano l'universalità dell'esperienza interiore, espressa in forme e modi tra loro differenti secondo un processo evolutivo che coinvolge la globalità delle manifestazioni umane. Nella musica del nostro tempo siamo giunti a un momento di crisi profonda, in cui ci si domanda da più parti se non sia ormai ora di riconsiderare dalle radici non solo l’aspetto stilistico e formale della creazione artistica, ma anche e soprattutto la sua sorgente di ispirazione, la fonte stessa dalla quale essa scaturisce. Anche in Celan, il rituale è iscritto nella sua poesia, ma per essere interrotto. “Posaunen” è sintatticamente una parola-cesura, serve proprio a creare una crepa, come il taglio della tela di Lucio Fontana, serve a instaurare una riflessiva messa in discussione del precetto normale-normativo della tradizione che quella parola porta con sé. Questa composizione esplora le fonti arcaiche e profonde del suono con le nuove tecnologie di elaborazione digitale. E al tempo stesso esplora lo spazio timbrico tramite un processo di de-costruzione del suono nello spazio, grazie all'organizzazione della ditribuzione del suono tramite la diffusione multicanale. La ricerca sonora sviluppata con le tecnologie digitali ha consentito in questi anni di approfondire la relazione tra suono naturale, materiale pan-acustico e spazio timbrico. È una ricerca fatta di tensioni al limite, filtrata dallo sguardo elettroacustico sul suono, attraverso il quale il dialogo tra il materiale elaborato digitalmente e l'interprete dal vivo assume inedite caratteristiche, con soluzioni dinamiche e spaziali imprevedibili. In particolare è lo spazio a costituire un nuovo polo di attrazione e parametro di elaborazione, uno spazio sonoro dove organizzare liberamente la materia e dove il timbro si fonde, elabora se stesso nella confluenza e interrelazione dei singoli elementi. Il suono del Trombone "raccoglie" la memoria arcaica del suono dello Shofar, un suono che ha attraversato i millenni, "con cui secondo l’uso ebraico veniva annunciato un particolare avvenimento (poteva essere il segnale d’allarme di una guerra, la minaccia di un pericolo imminente, la salita al trono di un re, l’annuncio del nuovo anno e dell’anno giubilare, l’ira di Dio o la redenzione del popolo di Israele)". Grazie alle nuove tecniche di esecuzione sviluppate da Ivo Nilsson, geniale interprete e compositore svedese con il quale è stato sviluppato tutto il progetto sonoro della composizione, in combinazione con le tecnologie per l'elaborazione digitale del suono sviluppate al GRM di Parigi, questa materia/memoria viene proiettata verso orizzonti estremi. Il dialogo tra i due piani sonori che si intersecano e si confondono e il testo poetico originale è profondo e denso di fascino e suggestioni. Il Trombone esplora le insondabili profondità dell'io evocate dai versi ermetici, il suono dello Shofar è un suono che non ha parole, emesso dal soffio umano, che ci ricorda il soffio vitale con cui il Signore creò il primo uomo e sembra raccogliere l'invito estremo di Paul Celan "hör dich ein / mit dem Mund" (insuffle-toi l’écoute / avec la bouche). "E allo sprofondamento dell’abisso che apre nuove costellazioni corrisponde esattamente la dinamica della poesia".

 

| LA TANA |

per voce, elettronica e corpo esterno

Concept, musica e libretto, Edoardo Vella

 

 

ARIADNE

installazione lirica in fili di lamenti per controtenore, mezzosoprano, trombone, video e live electronics

Concept, musica e regia Girolamo Deraco

Testi di Friedrich Wilhelm Nietzsche, Ottavio Rinuccini, Vincenzo Cassani, Lorenzo de' Medici, Gaio Valerio Catullo e frammenti musicali di Franz Joseph Haydn, Benedetto Marcello e Claudio Monteverdi

Anna Salvoni progettazione scenografica, Luca Barsanti realizzazione scenografica

 

Il mito è sempre attuale poichè è un universale, un archetipo. La storia di Arianna e Teseo è tra le più conosciute dalla moltitudine. Si ripete caledoiscopicamente, continuamente, e, in fine, tutte queste storie sono state, sono e saranno sempre uguali. Lei/lui si innamora, lui/lei l’abbandona. Quindi? Perchè raccontare ancora il mito? Il mito va raccontato perchè rinnova la memoria. Mette in guardia dal possibile errore. Errore che rende vivi. Umani. Veri. Errore, che desideriamo percorrere e ripercorrere infinite volte. Coscienti o no.

Nella letteratura, nella musica e nelle arti figurative, il soggetto di Arianna ha da sempre avuto molti proseliti. Questa installazione lirica, su testi di Nietzsche (Klage der Ariadne e l’abbozzo del progetto Satyrspiel), Rinuccini (L’Arianna), Cassani (Arianna), Medici (Trionfo di Bacco e Arianna), Catullo (Lamento di Arianna) e con frammenti della musica di Haydn (Ariadne auf Naxos), Benedetto Marcello (Arianna) e Claudio Monteverdi (Lamento di Arianna dal libro sesto dei madrigali a cinque voci), ha come fine ultimo quello di far convergere uno dentro l’altro, con un nuovo respiro compositivo che risente dell’esperienza dei giorni nostri, questi grandi nomi che hanno trattato il mito. L’Arianna delle Arianne. O l’ennesima. Poco conta.

Il soggetto dell’installazione è quello del mito, quello di Arianna e Teseo/Dioniso. Un mito che si ripete eternamente ed è sempre attuale. E’ un percorso umano. Un ananke, che bene o male abbiamo tutti vissuto nei panni di Arianna o di Teseo. O entrambi.

Il libretto è una collazione/ri-composizione di testi. La base è Klage der Ariadne di Nietzsche, su cui si dipanano frammenti tratti da Nietzsche, Cassani, Medici, Rinuccini e Catullo.

La musica, elemento di sospensione temporale per eccellenza, è il grimaldello che farà riapparire dalle sue nebulose, reminescenze musicali di Haydn, Marcello, e Monteverdi, mutando il canto tra presente e lirismo storico.

Il concept centrale di Ariadne è quello di sospendere il mito all’interno della forma di un cubo distorto (ricoperto di tulle sui quattro lati verticali), “quadrati sformati” che si muovono nel tempo. Il cubo sarà intersecato internamente da fili, che alla fine si sveleranno essere una unica matassa, un labirinto eterno la cui fine è il ripetersi del mito. All’interno del cubo di fili vi è Ariadne che tiene tra le mani un capo del filo (lo stesso filo che donò a Teseo?). Riavvolgerà il filo vivendo il suo personale labirinto fatto di ricordi. Ricordi personali e/o ricordi delle molte Arianne. Le Arianne sparse nel tempo, che troviamo nei testi, nelle musiche, nell’iconografia (a cui si ispirerà la regia nella messa in scena video e performativa) e le possibili Arianne del futuro.

In questa cantata scenica non importa il momento storico in cui Arianna si trova (lo suggeriranno la musica e/o le parole) e non importa come sarà vestita (un vestito vale l’altro basta sia bianco). La cosa importante è che rappresenti se stessa in quanto essere umano. In tutto e per tutto. Con le sue forze e le sue debolezze umane, con i suoi gesti e con i suoi labirinti interiori, perchè come diceva Kern:“nel labirinto si incontra se stessi”. Theseus è rappresentato dal trombone, espressione drammaturgica della sua natura macista e maschilista. Si manifesterà in diverse forme timbriche nelle arie del passato, come un’ombra felina che non lascia mai la preda. 

controtenore e trombone David Whitwell

mezzo soprano Maria Elena Romanazzi

sound designer Alberto Gatti

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[1]          Massimo Pizzingrilli, All’altezza del profondo. Una rilettura della poesia Die Posaunenstelle, in "Paul Celan, la poesia come frontiera filosofica", a cura di Massimo Baldi, Fabrizio Desideri, Firenze University Press, 2008

LA SANTA PANCIERA

un'opera bigotta per soprano e pianoforte

Gerratana Andrea musica

Leonardo De Santis libretto 

Sinossi - Italiano

Una donna anziana, sola, con un marito defunto e un figlio che non la chiama mai, ha come unica consolazione, nella solitudine della propria casa, la fede religiosa. La fede l'ha spinta in una nuova direzione, portandola a compiere un gesto radicale. Un'opera che con un taglio grottesco vuole trattare la solitudine, il bigottismo, il rapporto con la religione e con chi ci ha abbandonato. 

Synopsis - English

An elderly woman, alone, with a deceased husband and a son who never calls her, finds her only solace within the loneliness of her home: her religious faith. Faith has provided her with a new sense of purpose, urging her to embark on a radical act. This grotesque opera explores themes of loneliness, bigotry, relationships with religion, and those who have abandoned us. 

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SOGNO

azione scenica per soprano, attore, pianoforte e live electronics

Antonio Bellandi musica

Loretto Rafanelli libretto  

Sinossi - Italiano

In una gelida sera invernale un uomo, Fedor, in preda alla disperazione medita sul suicidio. Gli appare una donna che invoca il suo aiuto ma lui, distrutto dal proprio malessere interiore, non solo non l’aiuta ma, anzi, da discaccia. Tornato a casa si assopisce e sogna. Le voci che ascolta gli descrivono un mondo migliore, fatto di quella bontà e purezza di cui la donna è il simbolo. Fedor sembra inizialmente catturato da tale prospettiva salvifica ma inizia ad intravedere l’altra faccia della sua visione, il male che, mascherandosi, si insinua tra le pieghe del bene corrompendolo, il dolore in cui vive il mondo e la sordità degli umani di fronte a quella sofferenza. Il messaggio dell’originale dostevskiano viene riattraversato e attualizzato nello spazio temporale che è sufficiente per assopirsi, sognare ed assumersi, dopo aver attraversato fino in fondo la sofferenza, la propria responsabilità.

Synopsis - English

During a cold winter evening, a man, Fedor, desperated, contemplates suicide. A woman appears to him who invokes his help but he, destroyed by his own inner suffering, not only doesn’t help her but, on the contrary, drives her away. Back home he falls asleep and dreams. The voices that he hears describe to him a better world, made by the goodness and purity of which the woman is the symbol. Fedor initially seems captured by this saving perspective but begins to looks to the other side of his vision: the pain in which the world lives and the deafness of humans in the face of that suffering. The message of the Dostevskian original is re-crossed and updated in the temporal space that is sufficient to doze off, dream and assume, after having gone through suffering to the end, one's responsibility 

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Prossimo appuntamento

Opera LABRYS

27 maggio, ore 18 – Teatro di San Girolamo, Lucca